Soggetti profani nella Pinacoteca di Siena

Nella scorsa visita alla Pinacoteca di Siena per il ciclo Turisti per casa la nostra guida Lisa Barbagli ha sottoposto alla nostra attenzione quattro opere di soggetto profano che si trovano in questo museo, luogo per eccellenza della pittura di scuola senese del Duecento-Trecento; ma, come ci è stato detto anche nelle visite precedenti, in Pinacoteca troviamo principalmente soggetti religiosi sia perché nel Duecento-Trecento le opere erano commissionate per la maggior parte dalle Chiese e luoghi di culto e sia perché le opere presenti in Pinacoteca provengono dalle diverse soppressioni.

Come di consueto, ecco il mio reportage.

A Siena il tema dei soggetti non religiosi non è banale, così ha esordito la nostra guida Lisa. 

A Palazzo Pubblico, al Santa Maria della Scala e in Duomo ci sono cicli monumentali non religiosi eseguiti in un'epoca in cui si realizzavano opere quasi esclusivamente religiose. 

Gli affreschi del Buon Governo di Ambrogio Lorenzetti,  quelli del Pellegrinaio per la maggior parte eseguiti da Domenico di Bartolo parlano di se stessi come anche gli affreschi della Libreria Piccolomini all'interno del Duomo eseguiti dal Pinturicchio dove il soggetto è profano in quanto non si celebra l'uomo vescovo diventato cardinale e poi papa ma la casata.

Caratteristica di questi tre cicli di epoche diverse non è solo il fatto di essere non religiosi ma che guardano direttamente alla realtà. 

Nel Buon Governo è Siena la città rappresentata, al Santa Maria della Scala è l'ospedale che celebra se stesso così come nella Libreria Piccolomini la celebrazione non è indiretta. 

Questo aspetto non religioso impregna tante cose nella vita della città come ad esempio il Duomo, chiesa della devozione mariana  con i colori bianco e nero della balzana, stemma di Siena. 

Le opere non religiose in Pinacoteca sono soggetti tratti dal mondo antico, greco e romano, che servono ad una rappresentazione indiretta nel senso: io committente che pago l'artista voglio celebrare indirettamente me stesso.

La prima sosta è stata nella Sala 23 dove in un angolo, che sfido io venga apprezzato nel suo valore dai visitatori quotidiani, si trovano due dipinti di Girolamo Genga; nella parete a destra Enea fugge da Troia e nella parete a sinistra Il figlio di Quinto Fabio Massimo riscatta da Annibale i prigionieri romani, entrambi del 1508-9. Fanno parte dell'insieme anche le due paraste lignee addossate agli angoli delle pareti laterali.

I due dipinti sono di medie dimensioni con cornice non contemporanea. 

Si tratta di due affreschi staccati insieme alle paraste intagliate che rappresentano ben poca cosa di una decorazione importantissima che in città non c'è più e cioè il gabinetto del palazzo del Magnifico Pandolfo Petrucci in via dei Pellegrini.

Pandolfo Petrucci fu una personalità importante a fine Quattrocento inizi Cinquecento perchè fece a Siena, anche se in scala minore, quello che stavano facendo i Medici. 

Costruisce il suo potere sul prestigio. Fa parte della Balia, l'organo piu importante; ma attraverso una serie di cose riesce ad avere il potere della città. 

La sua idea era di lasciare alle generazioni future il suo potere ma la Signoria muore insieme a lui forse perche il figlio non era adatto. 

Pandolfo veniva dalla mercatura quindi era un abile uomo d'affari e politico che aveva capito che per costruire il suo potere, tra le altre cose ad esempio, i figli dovevano fare un buon matrimonio e infatti la figlia andò in sposa a Sigismomdo Chigi (fratello di Agostino Chigi, il banchiere dei papi a Roma) nato in via del Casato a Siena e nel 1509 il figlio sposa una Piccolomini.

Pandolfo capisce che il suo prestigio nella città ha a che fare anche con le commissioni artistiche che lui paga e allora fa decorare tutte le sale del suo Palazzo ed in particolare il gabinetto. 

La sala adibita a gabinetto è di circa sei metri per venti quindi non gigantesca; era una stanza tipo studiolo ma più monumentale. Era il luogo dove Pandolfo riceveva ufficialmente. Oggi però non è rimasto quasi niente e per poter immaginare com'era dobbiamo fare un'operazione di astrazione.

Il soffitto infatti è al Metropolitan Museum di New York dal 1922. 

Le mattonelle del pavimento erano tutte in maiolica e si trova ora diviso tra Berlino, Parigi e Londra. 

In esso è riportato lo stemma Petrucci Piccolomini decorato a grottesca, molto in voga all'epoca; quella decorazione cioè utilizzata nella domus aurea di Nerone rimasta nascosta dopo l'incendio e riscoperta per l'appunto nel Cinquecento. 

E poi doveva esserci l'arredo ligneo costituito anche dalle cassapanche e dalle paraste che dividevano la spartizione degli affreschi di cui due del Signorelli e uno del Pinturicchio oggi sono a Londra, due sono stati scialbati, uno è andato perduto e due sono qui in Pinacoteca, quelli appunto di Girolamo Genga. 

C'è una concezione all'antica di ogni centimetro quadrato fin'anche del soffitto che riproduceva le spartizioni della domus aurea. 

Pandolfo aveva bisogno di costruire un prestigio intorno alla sua casata. Deve aver fatto un discorso del tipo: parto mercante e arrivo granduca ma devo consolidare il prestigio che c'è intorno a me chiamando gli artisti giusti. 

Antonio Barili è l'autore degli intagli in legno delle paraste. 

Gli intagliatori erano gli artisti che più facilmente diffondevano gli stilemi. 

All'archivio di stato di Siena c'è un documento del 1521 di un certo Ventura di Tura, intagliatore, in cui egli fa una supplica ai Signori della città perché è ridotto così male da aver bisogno di una piccola provisioncella e per averla egli vuole mettere in evidenza che ha fatto cose importanti per la città, che ha lavorato tanto per diffondere in questa città un linguaggio all'antica. 

Forse esagera; ma a noi ci interessa perché queste paraste ci fanno vedere un linguaggio aggiornatissimo di quello che stava succedendo a Roma, che aveva a che fare con tanti artisti tra i quali anche il senese Baldasserre Peruzzi. 

Gli episodi rappresentati nei due dipinti presenti in Pinacoteca appartengono a storie del mondo antico. 

In questo caso non si sceglie una auto celebrazione diretta. Pandolfo non poteva farlo perché la sua politica era concentrata sul fatto che lui era il campione della difesa della Repubblica di Siena.

Girolamo Genga, urbinate, era stato a Roma e quindi era aggiornato. Arriva a Siena che non è un artista provinciale. Pandolfo sembra amare artisti non senesi. A quei tempi, il mecenate aveva sempre dietro personaggi di grande levatura che conoscevano i grandi testi da dove poter ricavare idee per grandi cicli.

Nel dipinto Il figlio di Quinto Fabio Massimo riscatta da Annibale i prigionieri romani siamo al tempo della seconda guerra punica, Quinto Fabio Massimo e Annibale vogliono fare un accordo per il riscatto dei prigionieri solo che quelli romani sono di più e quindi Annibale chiede l'equivalente in denaro.  Fabio Massimo si rivolge al Senato senza successo e quindi vende le sue proprietà e manda il figlio a trattare il riscatto.

Perché questa scena? cosa vuol dire? come anche quella di Enea fugge da Troia? non lo sappiamo. A posteriori dobbiamo cercare di trovare il nesso tra tutti gli elementi decorativi. Niente era dettato dal caso. Noi dobbiamo interpretarlo a posteriori perché i nessi si sono dispersi, ben consapevoli del fatto che dietro c'era una grande cultura erudita. 

Qualcuno ha cercato di leggerli nell'insieme legati alle vicende politiche di Pandolfo; successivamente invece ci si è concentrati sull'occasione di questa decorazione quindi del matrimonio del figlio per cui il senso che se ne ricava è quello di esaltare la famiglia.

Poi  cosa succede? che nel corso dei secoli in parte gli affreschi perdono di valore; in certe epoche, come nel Seicento e Settecento, non sempre vengono considerati come qualcosa di sublime. 

Questi affreschi ancora non risentono delle novita raffaellesche. Siamo un attimo prima. Successivamente a questi dipinti, il Genga si aggiornerà tantissimo rispetto alle novità di Raffaello. 

E' molto moderna l'ideazione di  dedicare all'antico questo ambiente, il gabinetto, in ogni sua componente; ma non lo stile perche con le novità raffaellesche tutto lo stile precedente diventa vecchio e a questo poi si aggiunge la speculazione; infatti il Palazzo è stato parcellizzato e venduto.

La seconda sosta è nella Sala 27. 

Qui siamo un decennio dopo. Andrea Piccinelli detto il Brescianino di bresciano ha molto poco; infatti la sua è una formazione fiorentina.  

Le figure erano state identificate con le virtù teologali Fede, Speranza e Carità secondo la tradizione  e costituivano una spalliera, quindi la destinazione è profana. 

Molto spesso infatti nella decorazione delle camere erano inseriti soggetti come questo che dovevano alludere a virtù muliebri perche la camera era luogo dove la donna riceveva ed in effetti qui mi torna in mente il soggetto della Natività della Madonna oggetto della visita guidata per Turisti per casa dedicata alla moda nell'arte del Tre-Quattrocento dove la camera di Sant'Anna è affollata di amiche in visita come accadeva nella contemporaneità quando una donna partoriva.

Ma guardandole meglio del dettaglio si nota che la figura di mezzo identificata con la Fede in realtà rappresenta Lucrezia romana, un soggetto proveniente dal mondo antico. 

Ancora non è chiara l'interpretazione. Qualcuno ha pensato che la Fede manchi in questo ciclo e che in realtà si trattasse delle virtù cardinali e quindi questa figura di donna con una spada poteva raffigurare la fortezza. 

Lucrezia di solito è rappresentata come simbolo della pudicizia. La fonte è Livio. Il suicidio di Lucrezia e importantissimo perché segna il passaggio di Roma come monarchia a Roma repubblicana. 

Lucrezia viene oltraggiata da Tarquinio il Superbo. E' un soggetto che si presta a tante rappresentazioni, muliebre e anche repubblicana. Livio però è l'unico che racconta che Lucrezia si suicidia circondata da quattro persone: il padre, il marito e altre due alle quali chiede di vendicare quello che lei ha subito, prima di togliersi la vita.

La Carità è rappresentata in modo abbastanza classico; anche la Speranza tranne che per le figure che le sono state messe intorno e che sono state interpretate in modo preciso e non sono state messe lì a caso. 

Per renderci conto dell'importanza dei modelli di riferimento la nostra guida Lisa ci ha detto che questa rappresentazione si rifà ad esempio al Tondo Doni di Michelangelo nel quale in primo piano c'è la Sacra Famiglia, poi c'è un muro e dietro a questo muro ci sono uomini nudi che rappresentano la vita dell'uomo prima e dopo la venuta di Cristo. 

Il Brescianino conosce molto bene Firenze. 

Era importantissimo essere aggiornati riguardo a tutto quello che si vedeva; dovevano fare i conti con Michelangelo ma non tutti erano in grado di recuperare quello stile lì. 

Questo è un artista che vede, studia e rielabora Michelangelo. I modelli all'inizio del Cinquecento erano due: il mondo antico e poi i grandi maestri Michelangelo e Raffaello.

Immagine proveniente da Wikipedia.org

Queste spalliere dovevano essere molto frequenti a Siena. 

Lisa ci ha detto che a Siena ce n'è uno in una collezione privata che è dotato anche di tutta la carpenteria. Anche per questi soggetti si saccheggia molto dal mondo antico. Di solito c'erano figure femminili e nascevano in occasione di matrimoni.

Terza sosta nel Corridoio dove lungo le pareti troviamo Ercole e Onfale di Michel Desubleo; opera del secolo successivo, degli anni quaranta del Seicento, proveniente dal Palazzo del Governatore in Piazza Duomo.

E' Mattia de' Medici che si dedica al Palazzo affinché diventi la residenza Medicea più grande dopo quella di Palazzo Pitti a Firenze. 

Altro momento in cui si presta importanza a questo Palazzo è quando muore Giovanni Gastone de' Medici, l'ultimo dei Medici, senza avere eredi e tutto passa ai Lorena i quali, uomini dell'illuminismo quindi estremamente razionali, prendono la gran massa di opere che c'erano a Firenze e le redistribuiscono mandandole in parte nelle residenze reali e quindi anche a Siena. 

Arrivano quindi a Siena una serie di dipinti tra cui questo.

L'artista è si fiammingo ma ha un percorso tutto italiano. Arriva a Roma, si trasferisce a Venezia e poi a Bologna; quindi non ha legami con Siena ma è un' acquisizione dei Medici.

Il soggetto è tratto dalle vicende di Ercole, intento a filare mentre la regina Onfale indossa la pelle di leone e la clava. Siamo in Tessaglia, il Re Eurito, famoso arciere, ha una bellissima figlia, Iole, e decide di darla in sposa a chi riuscirà a batterlo al tiro con l'arco. 

Ercole lo batte ma siccome si era già macchiato dell'uccisione dei suoi figli, il Re non gliela dà vinta. Ercole allora se ne va ma succede un fatto e cioè scompaiono delle giovenche  che appartengono al Re il quale attribuisce la colpa a Ercole. 

Il figlio del Re, Ifito, non crede che sia stato Ercole e va a cercarlo per chiedergli di aiutarlo a cercare gli animali scomparsi; ma Ercole, nell'ennesimo momento di follia, lo butta  giù dalle mura del castello. 

Ercole allora viene punito. Sconterà la pena facendosi schiavo della regina della Lidia, Onfale. 

Ercole diviene talmente soggiogato che si fa vestire da donna, si mette a filare e a lei dà i suoi simboli della virilità. 

Le ancelle, con un po' di ironia, stanno a guardare.

Il riferimento stilistico è alla scuola bolognese quindi Guido Reni. 

Non è soltanto la rappresentazione della superiorità della donna sull'uomo; ma anche il contrasto tra l'amore alto e gli istinti più bestiali.

Qui finisce il mio reportage. 

Si è trattata di una visita interessantissima e grazie a queste visite capisco anche sempre di più come esistano persone, studiosi, che trascorrono la loro vita approfondendo la loro conoscenza magari su un'unica opera d'arte.

Fiaba d'Amore

di Antonio Moresco

Mondadori Editore

Milano, 2014

Che pena tutto questo dolore, tutte queste persone che si cercano e non si trovano, che pena tutto questo amore impossibile... Ma allora perché si cercano se non si trovano? Ma allora perché si prendono gioco gli uni degli altri, perché si fanno del male, perché si ingannano, perché si feriscono, perché si lasciano, se poi devono continuare a cercarsi per non trovarsi? Ma allora perché certe volte si trovano, se non possono trovarsi e possono solo cercarsi?

Sono questi gli interrogativi che Antonio Moresco pone nella sua Fiaba d'Amore attraverso il rapporto inverosimile tra Rosa, una ragazza bellissima che abita in una casa lillipuziana e Antonio, un vecchio pazzo barbone che prima di diventare tale -dicono- fosse stato una persona per bene.

La prima parte della fiaba racconta, in un crescendo molto ben riuscito secondo me, dell'incontro tra la ragazza e il vecchio, tra la pelle profumatissima di lei e il fetore pestilenziale di lui. Incontro che miracolosamente -d'altronde è una fiaba- trasforma il naturale senso di imbarazzo, di ripugnanza in una tenera e dolce intimità che permette a lei di prendersi cura di lui con estrema premura fino a restituirgli dignità.

Il loro rapporto diventa una 'storia' tra gli occhi increduli di entrambi fino a che succede qualcosa e la Fiaba prende un'altra piega; le strade di Rosa e Antonio si dividono e successivamente si ritrovano in un altro luogo, in un'altra dimensione, forse, ma forse no; dove la storia sembra ripetersi in maniera speculare con un finale... Niente paura, non ve lo dico!

Ho già scritto altrove che ho deciso di leggere questo libro per dare fiducia a David Grossman, il mio scrittore contemporaneo preferito, il quale ha 'sponsorizzato' Antonio Moresco da Fabio Fazio a Che tempo che fa. Volevo verificare se Grossman è così bravo a consigliare libri quanto a scrivere i suoi e devo dire che lo ringrazio. Ripensando al suo libro Caduto fuori dal tempo, capisco anche quale affinità possa egli aver provato con la Fiaba di Moresco.

Non metto il link della presentazione perché secondo me Fazio ha raccontato troppo della trama quindi se vi interessa vi consiglio di guardarlo a fine lettura cercando 'Grossman Moresco' su Youtube.

Personalmente ho trovato potente la prima parte; un po' semplicistica la parte intermedia, quella dove si accennano tentativi di risposta alle domande che l'autore pone, e, la parte finale, familiare con altre mie letture come ad esempio Cecità di Saramago, per l'atmosfera da terra desolata, e Breve venerdì, un racconto contenuto nel libro L'ultimo demone di Isaac B. Singer, per l'esperienza del passaggio dalla vita alla morte quasi come quella di Dante che, per grazia concessa, nella sua Divina Commedia passa dalla vita alla morte rimanendo vivo.

Mi è piaciuto? sì; soprattutto la prima parte.

A chi lo consiglio? a chi pensa di riuscire a sostenere descrizioni dettagliate della giornata tipo di un barbone -bisogni fisiologici compresi-; a chi non ha paura dell'intimità nei suoi aspetti meno lirici, a chi è capace di accogliere l'altro o ce l'ha come desiderio, a chi crede nelle favole o nel destino o nel karma, a chi crede che l'amore, o un momento d'amore totale, sia possibile.

La frase più bella? Io ti prometto un tempo che non passerà...

Bestie

di Federigo Tozzi

Manni Editore

Lecce

2009

Questo post lo considero un'appendice del precedente sulla Passeggiata d'autore alla scoperta di Federigo Tozzi a Siena,  perché per completezza d'informazione ci tenevo a condividere qualche notizia in più sull'opera che è stata più volte citata durante il percorso e che mi sono precipitata a reperire tanto mi ha entusiasmato il linguaggio.

Bestie è una raccolta di racconti brevi, per lo più biografiche, che Tozzi scrisse in parallelo alle sue opere più impegnative. A me sembrano delle vere e proprie liriche.

Attraverso queste micronarrazioni, come vengono definite nella presentazione dell’opera, Tozzi ci racconta di se, della sua quotidianità ma anche della sua anima in conflitto con la sua città, Siena. Tanto si sente soffocare da essa da decidere ad un certo punto di trasferirsi a Roma per trovare nuovi orizzonti.

Queste prose sono state pubblicate per la prima volta nel 1917.

La caratteristica comune a quasi tutte le narrazioni è di concludersi con l’ingresso in scena di un animale, una bestia per l’appunto, che non viene umanizzato ma rappresenta se stesso.

Tozzi infatti ci descrive cosa fa questa bestia e anche la sua reazione nei confronti di essa, a volte passiva, a volte attiva fino anche ad essere spietata.

La bestia, che può essere un uccello, un animale di cortile, un insetto, un rettile, un anfibio, una larva da insetto o altro, comunque proveniente dal mondo contadino che Tozzi conosceva bene, si integra perfettamente con il contenuto precedente e detta il finale del breve componimento.

Ecco qualche anticipazione:

     Nel tinaio, sotto un vecchio barile che aveva perduto anche i cerchi, ritrovo una tavola di sorbo. Perdio! Se mi riesce a segarla come voglio, mi ci viene un bel tagliere. Prima, con la lima a triangolo, arroto i denti della sega, poi mi metto all'opera. È legno così duro, che, per quanto consumi tutta la sugna che tenevo incartata su la cappa del camino, non giungo alla fine. La sega brucia e doventa pavonazza. E poi, non riesco ad andare a filo. Allora prendo un accettino e concio la tavola alla meglio. Quando ho quasi finito, m'accorgo che c'è un buco fatto da un tarlo. Lo voglio trovare! Spacco nel mezzo la tavola; e in fondo al buco, che gira quasi come una spirale, lo trovo: bianco e tenero, con una puntina rossa. Lo lascio stare: io sono Dio, ed egli è un solitario dentro una Tebaide.

***

     La strada dove non sono più stato è quella che m'era piaciuta tanto, forse più delle altre.

     Già non vi passava nessuno! L'erba v'era alta, con il muschio così verde che pareva una vernice a olio, sciolta.

     Sempre l'ombra del muro altissimo, scrostato, scalcinato; un'ombra che pareva più pesa del muro, fredda, silenziosa.

     E di là, a pochi metri di distanza, il sole chiaro e caldo, e le farfalle che quando si sono prese in mano bisogna ucciderle!

***

     Sentirsi solo è un piacere che spaventa.

    Un'ora dopo la mezzanotte non avevo più sonno né stanchezza; e la conversazione fatta con un amico e un'amica, quantunque di poche ore innanzi, cominciando da quando avevamo cenato insieme, mi pareva già sì lontana che pensavo se l'indomani ambedue si ricordassero di conoscermi.

    Con il chiaro di luna in bocca, credevo di masticarlo, e c'era tutta la strada che voleva saltarmi addosso.

    Prima ancora di sapere perché, mi viene freddo e poi distinguo la voce della civetta.

E' stato difficile scegliere perché sono tutte molto originali; quella del tarlo mi ha fatto molto sorridere sia per la scelta insolita del tipo di bestia sia perché mi sono immaginata tutta la scena!

Le prose descrittive di Siena hanno una bellezza in più, per me, data dal fatto che conosco perfettamente i luoghi di cui parla. Per un assaggio vi rimando al post sulla Passeggiata d'autore Federigo Tozzi (Siena 1883 - Roma 1920)

A conclusione riporto questo componimento brevissimo sulla morte che mi ha colpito in maniera particolare:

Nel bosco cerco l'albero che, tagliato a bara, imputridirà sotto terra con me.

Gli voglio tanto bene: forse, è quello dove ora c'è sopra un merlo.

L'albero di Tozzi ha richiamato alla mia mente Giuseppe Penone, esponente della corrente dell'Arte Povere, che agli inizi della sua carriera a metà degli anni sessanta operava principalmente con gli alberi.

In uno dei suoi scritti Penone dice:

Entrare nella foresta del legno è un viaggio nel tempo, 

nella storia di ogni singolo albero e di ogni anno della sua vita. 

La lentezza con cui si ripercorre, si svela, un anno dell'albero

ricorda la sua crescita, più sarà lenta e più sarà ricca di particolari,

di piccole storie e conoscenze della sua esistenza. 

Penetrare con lo scalpello nella storia intima del legno, cesellata da giornate

di sole, di pioggia, di neve, di gelo, da incontri con altre forme viventi,

contatti di insetti, animali, da incidenti, percosse, incisioni,

lacerazioni, carezze di altri vegetali è un'idea che solo

un pensiero aderente alla materia può sviluppare.

Di sicuro entrambi amano l'albero.